Die erste Weltausstellung im Queens’ Flushing Meadows Corona Park im Jahr 1939 hat dazu beigetragen, ein Gebiet nahe der Wüste in ein modernes Reiseziel zu verwandeln. Fünfundzwanzig Jahre später präsentierte eine zweite Messe, die vom Life Magazine aufgrund ihrer Kosten als „Milliarden-Dollar-Traum“ bezeichnet wurde, Ausstellungen zum Thema „Frieden durch Verständnis“. Auf den Messen steht der Park auf der Karte, und die für beide errichteten Gebäude stehen noch. Die Unisphere, ein monumentaler Stahlglobus, wurde als Symbol der Messe 1964–1965 gebaut und ist heute ein Symbol des Bezirks – ganz zu schweigen von einem beliebten Instagram-Spot. Aber Sie können sich am besten mit den Messen und deren Vermächtnis im Queens Museum befassen, ursprünglich im New York City Pavilion für beide Ausgaben.
Zu den Ausstellungen aus der tiefen Sammlung der Weltausstellung des Museums gehören die permanente Installation The Panorama of the City of New York aus dem Jahr 1964 und die Ausstellung A Billion Dollar Dream, die im November 2024 eröffnet wurde. Für das Artists-in-Residence-Programm des Museums 2024 forderten die Kuratoren die Empfänger mit dem QM-Jerome Foundation Fellowship auf, auf die Messe 1964–65 in ihrer eigenen Arbeit zu antworten. Umber Majeed und Abang-guard verbrachten ein Jahr in den Ateliers des Museums vor Ort, um Stücke zu entwickeln, die die Veranstaltung kontextualisieren und gleichzeitig die sozialen, politischen und kulturellen Unterschiede zwischen vor 60 Jahren und heute bewerten.
„Sie []betrachteten die Pavillons von Pakistan und den Philippinen aus der Perspektive aller regionalen Geschichten, von denen wir wissen, dass sie vor, während oder kurz nach der World's Fair stattfanden“, sagt Lindsey Berfond, Assistant Curator und Studio Program Manager im Queens Museum.
Ausstellungen der fertiggestellten Werke, die Mitte März eröffnet wurden, das erste Einzelmuseum für diese Stipendiaten. Wir haben mit den Künstlern in ihren Studios gesprochen, um ihre Erkenntnisse, Inspirationen und laufenden Arbeiten zu erfassen. Verschaffen Sie sich einen Eindruck von ihren Projekten, bevor Sie sich zum Queens Museum begeben, um die Installationen persönlich zu sehen.
Hinweis: Interviews wurden bearbeitet und zur Verdeutlichung zusammengefasst.
Umber Majeed: J 😊Y TECH
Umber Majeed
Umber Majeed wuchs zwischen New Yorks Long Island und Pakistan auf und besuchte die Kunstschule in Lahore, Pakistan, bevor er für eine MFA an der Parsons School of Design in die Stadt zurückkehrte. Sie ist nicht nur Arbeitskünstlerin, sondern lehrt auch Video und Animation. Ihre Ausstellung für das Queens Museum, J 😊Y TECH, reflektiert den pakistanischen Pavillon von der Weltmesse 1964–65 und verstärkt ihre verschiedenen Exemplare von Trans-Pakistan, einem laufenden Projekt über das Reisegeschäft eines Onkels, das die südasiatische Diaspora untersucht. Berfond nennt J 😊Y TECH „eine fantasievolle Revitalisierung des Tourismusgeschäfts ihres Onkels [sowie] die visuelle Sprache von Jackson Heights.“
Was haben Sie während der Residenz für Ihre Ausstellung erstellt?
Umber Majeed: J 😊Y TECH ist eine multidisziplinäre Installation, die Zeichnungen, Keramik, Video und Augmented Reality umfasst. Jedes Element basiert auf physischen und digitalen Elementen.
Auf welche Themen haben Sie sich konzentriert?
UM: Jackson Heights, ein Telefonreparaturgeschäft in einem pakistanischen diasporischen Viertel, das Joy Tech heißt; es gehört einem Bangladesch. Als meine Eltern hierher zogen, lebten wir in Queens und dann auf Long Island und investierten viel in den Besuch von Jackson Heights. Meine Familie hat dort ein Geschäft. Ich war daran interessiert, die Nachbarschaft zu recherchieren, aber auch darüber nachzudenken, was Gemeinschaft dort bedeutet.
Wie läuft das in Ihren Stücken ab?
UM: Das Weltgebäude für meine Show besteht aus einigen Elementen. Eines ist das Geschäft Joy Tech und das andere ist das gescheiterte Tourismusunternehmen meines Onkels, das in Islamabad, Pakistan, ansässig war. Mein Onkel begann sein Geschäft, glaube ich, in den 1980er Jahren. Es war eine Weile erfolgreich, endete aber in den frühen 2000er Jahren. Nach dem 11. September wurden alle in eine Kategorie von Personen zusammengefasst. Es ist kompliziert; standortorientiert liegt Pakistan direkt neben Afghanistan. Ich schaue mir auch die Idee von Bootleg-Bildern an.
Was ist mit dem, was Sie interessiert?
UM: Ich war schon immer von Grafikdesign besessen. Ein Großteil des Grafikdesigns in Lahore dreht sich um Stock-Bilder – sie ausschneiden, einfügen, verpixeln und aufblasen. Der Hauptgrund, warum Bootleg-Materialien vorhanden sind, ist die Zugänglichkeit. So werden viele Medien in Südasien konsumiert, durch Raubkopien, verwirrte Bilder.
In Jackson Heights gibt es wirklich seltsames, kitschiges Grafikdesign. Es gibt Menschen, die das invertierte Apple-Logo erkennen werden, und sie werden so sein, Oh ja, verschiedene Teile der Welt haben diese Kitsch-Elemente. Es ist ein bisschen aus. Diese Ästhetik hat eine Politik.
Ich sehe mir an, wie Stiefelschenkel nicht nur in der Ästhetik, sondern auch in der Methode sind. Ich kooptiere, verwende Fassaden, nutze die Idee des Tourismus oder des Unternehmens durch Trans-Pakistan, um Orte zu erreichen, die ich als Frau und Künstlerin nicht hätte.
Ich schaue mir die diasporische Politik an, wie Jackson Heights Bangladesch, Pakistani, Sri Lankan, Nepali ist, und denke darüber nach, wie wir archiviert wurden. Es gibt Künstler, die auch über diese Ideen nachgedacht haben. Ich komme aus einer Tradition. J 😊Y TECH führt ein Gespräch in einer anderen Form.
Wohin passt das Konzept eines Archivs?
UM: Hier betreten das Queens Museum und die Weltausstellung: Wie wurde Pakistan auf der Weltmesse 1964–65 dargestellt? Wer führt die Archivierung durch und wer ist der Tourist?
Der Tourist war die weiße Mittelschicht, die Branchen in potenzielle geschäftliche Kooperationen einführte. Zum Beispiel war die Schmuckdesignerin, die Sachen für den pakistanischen Pavillon tat, eine weiße Frau aus New Jersey, Barbara Anton.
Auf der Weltmesse 1964–65 gab es viele Unternehmen, die ich interessant finde, weil ich eine Unternehmenseinheit verwende – den Store Joy Tech – aber für soziale Gerechtigkeit.
Für A Billion Dollar Dream schuf eine der Kuratorinnen, Sarah Cho, einen wunderbaren Zeitplan, der das einbezieht, was damals auf den Philippinen und Pakistan passierte. Die Philippinen und Pakistan wurden 1947 bzw. 1948 „gegründet“. Sie haben also 1964 all diese neuen Staaten, und sie hatten die Gelegenheit, ihre Geschichte oder ihr Erbe zu teilen, aber es ist offensichtlich sehr kompliziert.
Der pakistanische Pavillon gab Ostpakistan, das heute Bangladesch ist, nicht viel Repräsentation, aber sie nutzten alle seine Ressourcen. Es kam viel Geld aus der Juteindustrie, und die Schmuckkollektion verwendete rosafarbene Perlen aus Dhaka, die ziemlich selten sind.
Viele Ihrer früheren Arbeiten sind nur schwarz-weiß. Warum jetzt ändern?
UM: Durch die Iterationen von Trans-Pakistan habe ich mir normalerweise das Schachbrett, das Schwarz-Weiß, angesehen. Aber Trans-Pakistan ist eine flüssige Einheit, also reagiert es auf seinen Kontext. Die neuere Version ist Weiß und fluoreszierendes Pink, was eine wichtige Farbe während der gesamten Erfahrung der Installation ist. Es handelt sich um eine kundenspezifische Farbe und Vinyl, daher sind die Hauptfarben Schwarz, Weiß und Rosa. Ich war an Logos wie Apple interessiert und es gibt viel fluoreszierendes Pink in den Anzeigen.
Installation shot of Umber Majeed: J😊Y TECH. Photo: Hai Zhang. Courtesy, Queens Museum
Welchen Einfluss hatte das Stipendium auf Sie?
UM: Es war erstaunlich, Zugang zum Studio zu haben. Die Mitarbeiter des Queens Museum und die Kuratoren sind fantastisch. Sie haben unsere Projekte unterstützt und waren sehr investiert. Eine garantierte Einzelshow in einem Museum zu haben – nicht alle Stipendien tun das. Das ist ein großes Vertrauen. Sie wussten nicht, was ich tun würde, aber aufgrund des Budgets konnte ich experimentieren.
Der Raum ist groß, deshalb habe ich Dinge vorgeschlagen, die ich nicht in anderen Räumen hätte. Es ist wichtig, dass ich als visueller Künstler darüber nachdenke, Besuchern die Möglichkeit zu geben, das Werk so weit zu betreten, wie sie möchten. Manchmal gebe ich Übersetzungs- oder QR-Codes an. Es hängt wirklich davon ab, wie sehr der Teilnehmer an der Arbeit teilnehmen möchte.
Abang-Schutz: Makibaka
Maureen Catbagan and Jevijoe Vitug: Abang-Guard
Abang-guard besteht aus Maureen Catbagan und Jevijoe Vitug, zwei philippinischen amerikanischen Künstlern, die sich trafen, während sie im Metropolitan Museum of Art in Manhattan arbeiteten. Die Arbeit des Duos konzentriert sich auf Einwanderung, Arbeit und Sichtbarkeit. Ihr Name spielt mit dem Begriff „avantgarde“ sowie mit ihrer Stellung als Museumswache. Catbagan sagt: „Der Begriff „avantgarde“ ist ein Frontliner. Es ist sinnvoll, dass wir Museumswache, aber auch Künstler sind. Wir schützen etwas von Wert. Unsere Erfahrung im Rücken hat unsere Praxis beeinflusst, und jetzt sind wir im Spiel.“ Ihre Museumsausstellung trägt den Titel Makibaka, ein Tagalogwort für „Zusammenkommen“ und blickt von der Messe auf die Pavillons der Philippinen und des Bundesstaates New York zurück.
Wie arbeiten Sie zusammen?
Maureen Catbagan: Ich mache meistens Fotografie und Video, die Skulptureninstallationen. Und dann konzentriert sich [Vitug] hauptsächlich auf Gemälde. Wir überschneiden uns mit Leistung.
Welche Aspekte der Messe 1964–65 haben Ihre Werke für diese Residenz und Ausstellung angeregt?
Jevijoe Vitug: Wir konzentrierten uns auf die Pavillons der Philippinen und des Staates New York. Die Gemälde basieren auf denen, die im New Yorker Pavillon von Andy Warhol und James Rosenquist gezeigt wurden. Damals wurden diese Stücke als avantgardistisch angesehen. Wenn wir darüber nachdenken, was die amerikanische Kunst in dieser Zeit war, sind die vertretenen Menschen – Royal Lichtenstein, Rosenquist – meist weiße Männer. Ich wollte Versionen der Werke erstellen, aber anstatt über amerikanischen Konsum zu sprechen, geht es um die Geschichte der asiatischen Amerikaner, insbesondere der philippinischen Krankenschwestern und der Migrantenarbeit.
Anstatt eines der 13 „Most Wanted“ [zu nennen], ist es „Am meisten Hilfe gewollt“. Warhols Arbeit wurde nach ein paar Tagen entfernt, weil er die tatsächlich begehrtesten Männer in Amerika einsetzte.
MC: [Vitug] nimmt den amerikanischen Modernisten mit und gibt philippinische Subjektivität in die Gemälde ein. Obwohl es einen Philippinen-Pavillon gab, war die Darstellung der Geschichte eher wie eine koloniale Erzählung: ein spanischer Kolonisator „entdeckte“ die Philippinen und endete mit der Schlacht von Bataan, als Amerikaner und Filipinos zusammenkamen, um die Japaner zu bekämpfen.
Die Pavillons konzentrierten sich auf das Weltraumzeitalter und den amerikanischen Konsum, aber wo war die philippinische Geschichte? Nicht nur die philippinische Geschichte, sondern auch die asiatischen Amerikaner im Allgemeinen oder die Migrantenarbeit, die Amerika gebaut hat? Das ist unsere Frage.
Wir beziehen uns direkt auf die Architektur des ursprünglichen philippinischen Pavillons und machen unsere Version eines Salakot[, eines philippinischen] Bauernhuts auf dem Dach. Wir installieren Zeitkapseln, um Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft zu schichten. Wir fordern die Architektur der Gedenkstätte heraus.
Wie passt die Zeit, in die die Kapseln passen?
MC: Es basiert teilweise auf der Westinghouse Time Capsule, die Teil der Messe war. Das sah aus wie eine Rakete – es ging um das Weltraumzeitalter. Sie hatten ihre eigene Vorstellung davon, was wertvoll darin enthalten war. Wir geben Geschenke für die Arbeitsbewegung, wie z. B. wie Sie Obst und Gegenstände für Vorfahren hinterlassen.
Es gibt zwei philippinische Diasporas, die Bauern und Pflegekräfte. Unsere Geschenke erinnern an den Delano-Traubenschlag, der am 8. September 1965 stattfand. Die Messe fand damals statt, zusammen mit dem Immigration and Nationality Act von 1965, der Anreize für die Rekrutierung von Pflegekräften auf den Philippinen gab. Der Streik war die größte Solidaritätsbewegung zwischen Mexikanern und Filipinos. Sie haben die Arbeitsbedingungen geschaffen, die wir jetzt haben, all diese Dinge, die wir als selbstverständlich ansehen. Aber sie waren hart mit Solidaritätsbewegungen, viel Blut, Schweiß und Tränen.
Eines der Bilder ist das Filipino Community Cultural Center of Delano, das Streikorganisationszentrum. Wir wollten Larry Itliong [als philippinisch-amerikanische Arbeitsorganisation] in den Vordergrund stellen, weil die Filipinos den Streik begonnen haben.
Ein weiteres Gemälde betrachtet die Pflegebemühungen. Was waren Ihre Ziele dort?
JV: Dies ist eine Neuinterpretation des Wandbilds der Rosenquist’s World’s Fair. Die Art und Weise, wie die USA Pflegekräfte von den Philippinen rekrutierten, sagte: „Das ist eine Art Feminist. Sie können um die Welt reisen und diese Freiheit haben – „Ihre Kappe ist ein Reisepass.“ Im Jahr 1965 gab es viel Werbung dafür, dass Krankenschwestern in die Staaten kommen konnten, solange sie qualifiziert waren, dann US-Bürger werden, Ihre Familie mitbringen und ein besseres Leben haben.
MC: Ein Amerikaner zu sein, ist eine immanente Geschichte. Immigranten bauten diese Nation zusammen – eine Solidarität – und diese Identität sollte nicht in den Hintergrund gestellt werden. Nur weil Sie Amerikaner sind, bedeutet das nicht, dass Sie nicht erkennen können, woher Sie kommen.
Welche Bedeutung hat Makibaka?
MC:Makibaka ist die gesamte Solidaritätsbewegung und erzählt die Geschichte des anderen. Filipinos wollen eine Gemeinschaft schaffen, die alle Situationen überlebt, in denen wir uns befinden. Makibaka ist ein Zusammenkommen, um Platz schaffen zu können.
Installation shot of Abang-guard: Makibaka. Photo: Hai Zhang. Courtesy, Queens Museum
Was haben Sie durch dieses Stipendium gelernt?
MC: Wir wussten nicht die Hälfte der Geschichte über unsere eigenen Mitarbeiter; wir haben das durch diese Residenz gelernt. Es schaffte Tiefe und Stolz. Wir gingen nach Kalifornien, um die Geschichten der Farmarbeiter von ihren Kindern zu hören, die die Geschichte ihrer Eltern tragen. An einem öffentlichen Ort anzuerkennen, dass es erstaunlich ist, anderen die Erlaubnis zu geben, ihre Ursprungsgeschichte auf den Tisch zu legen.
JV: Wir fuhren nach Delano. Es ist anders, wenn man darüber liest und wenn man es wagt, die Hitze aufzunehmen, das Pestizid zu riechen.
MC: Sie sehen die Bilder und fragen sich: Warum tragen sie lange Ärmel? Und du merkst, weil Torf, wie der Duft, so juckt. Sie müssen nur alles abdecken.
Diese Erreichbarkeit, die Finanzierung für die Feldforschung, ein Archiv im Museum, ein spezielles Studio für ein Jahr – das ist selten. Und technische und kuratorische Unterstützung ist eine goldene Sache. Wir arbeiten hauptsächlich an der Leistung und Dokumentation der Leistung. Dies gab uns die Möglichkeit, groß zu denken und ehrgeizig zu sein.
Makibaka und J 😊Y TECH laufen bis zum 5. Oktober 2025; bis zum 13. Juli 2025 wird ein Billion Dollar Dream ausgestellt. Im Queens Museum finden Sie weitere Informationen zu Veranstaltungen in Verbindung mit den Ausstellungen.
