Après l'école primaire en 2013, la photographe Elizabeth Bick s'est retrouvée dans le mouillage de New York avec à peine à tout moment pour sa propre vie créative. Au milieu de cette routine animée, elle a commencé à prendre des photos de la vie urbaine qui l’entoure. Elle a respecté une méthodologie stricte : elle a installé son appareil photo et son trépied de manière invisible entre les véhicules garés, en créant un cadre fixe pour ses vues sur les passants, puis en organisant les résultats dans une grille.
Movement Studies Book Set (2016, 2017, 2018). Publisher: Roman Nvmerals
Son travail photographique, recueilli en trois volumes intitulés Movement Studies, associe théâtralité et naturalisme pour représenter le rythme humain pulsé qui anime le paysage urbain de New York : des piétons se tenant debout contre des murs monochromes, ainsi que des signes et des logos éclairés par une lumière new-yorkaise éblouissante. Comme en témoigne sa photographie, la vision de Bick est influencée par sa formation à la danse moderne et classique.
Nous avons rencontré Bick, qui partage maintenant son temps entre Brooklyn et l’enseignement à Charleston, en Caroline du Sud, pour découvrir pourquoi Midtown a inspiré son travail et comment la ville fonctionne comme une source de sérendipité et de structure.
Comment avez-vous commencé à photographier des scènes de New York ?
Elizabeth Bick : Je venais de terminer ma MFA et je me suis donné la parole en tant qu’artiste et photographe éditorial en herbe, en prenant des réunions, en essayant d’avoir une vie et en enseignant dans quatre écoles différentes. Je brûlais la bougie aux deux extrémités et j’essayais de trouver une survie créative. Je me suis dit que je devais photographier pendant que je faisais autre chose. Je jetais simplement mon appareil photo dans mon sac avec un trépied très léger et je faisais ces photos dans l’agitation de mon emploi du temps chargé.
Avez-vous pensé à l'un des photographes de rue qui vous a précédé ?
EB : J'avais appris à connaître Diane Arbus, Garry Winogrand, Lee Friedlander, toute la New York School of Photographic School, pendant mes études. Il y a toujours eu ce fantasme de rencontrer ces personnes qui descendaient la Cinquième Avenue et qui ont vécu des moments de révélation. Mais quand j’ai déménagé ici, je l’ai essayée et je me suis dit que ce n’était pas vraiment moi. C’est trop désordonné, trop lâche. J’avais besoin d’une sorte de réflexion structurelle.
Movement Study II: 40.752200 -73.99342, 2018
Sur quel secteur de la ville vous êtes-vous concentré ?
EB : Je suis un grand fan de Midtown. Bien que je travaille dans d’autres régions de la ville, je trouve Midtown étrangement mystérieux. Tout le monde semble être là avec une intention qui est la leur et la leur. Beaucoup de personnes se promènent dans les rues pour se présenter. Il y a tellement de constructions, il y a toujours de nouvelles façades, mais en même temps, il y a ce type de qualité générique à Midtown qui fournit une tension intéressante comme toile de fond visuelle. Je me penche toujours sur l’idée d’une scène, une sorte d’artifice qui existe déjà.
Vous étiez autrefois très sérieux pour la danse.
EB : Oui, j’étais danseuse professionnelle en herbe, ballet et ballet moderne, mais surtout classique. Je n’avais pas le bon type de corps. Il y a eu de nombreuses années de régimes stricts et de honte du corps. Faire le travail à Midtown m’a aidé à me détendre et à accepter l’idée que tout type de corps, tout type d’âge, tout type d’auto-présentation peut être théâtral et convaincant comme une photographie saisissante. À l’école primaire de Yale, j’avais commencé à étudier comment la photographie et la danse sont, pour moi, inextricablement connectées. Je recrutais des artistes et je les orientais sur la façon de se déplacer en public, en essayant de contrôler la situation. Mais en faisant cela, j’avais un peu dénudé le travail jusqu’à présent, au point d’en aspirer la vie. J’avais manqué le déroulement inattendu du monde, la sérendipité.
Movement Study I, Street Ballet, 2021
Vous divisez ce corps de travail en trois parties. La première partie, ou l’étude mouvement I : Street Ballet, organise les images des piétons au même endroit dans une grille de photos. Pourquoi la grille ?
EB : La première chose que je trouve, c’est la scène, la toile de fond, puis je réfléchis à ce à quoi cela ressemblerait en multiples. Cela a beaucoup à voir avec la façon dont la couleur et la lumière se déplacent dans la ville, perçant vraiment. Il y a la composition du cadre unique, puis il y a la composition de la grille, et je veux qu’ils travaillent ensemble. Lorsque vous examinez vos photos sur l’iPhone, elles sont dans une grille. Je pense, Oh, ça ressemble à quelque chose au-delà de lui-même. Il y avait quelque chose qui ressemblait au photographe du XIXe siècle Eadweard Muybridge, ses études de locomotion humaine. Mon utilisation de la grille me permet de repousser l'idée de la photographie de rue traditionnelle.
Movement Study I, Street Ballet, 2017
Movement Study I, Street Ballet. 2022
Movement Study I, Street Ballet, 2016
Et puis vous avez commencé à présenter l’œuvre dans des cadres simples, de plus près ?
EB : La série s’est terminée par trois livres distincts. La première partie était moi-même au « fond de la scène », observant à une distance où il n’y avait aucune possibilité d’interaction entre moi et qui était sur la « scène ». J’étais très loin et anonyme, et les gens étaient anonymes, des personnages distants.
Changer de point de vue a été réalisé avec un objectif différent, plutôt qu’avec un changement de position ?
EB : Oui, et je n’étais pas sur le trépied, je faisais de la photographie à main levée, mais je restais au même endroit tout le temps. La dernière image de Movement StudyI est d’une [scène] que j’ai sentie si visuellement chaotique qu’elle a nécessité une seule image, au coin de la rue de Penn Station. J’ai commencé à me rapprocher et je me demandais : « Et si je commençais à analyser davantage l’expression humaine et les gestes de la main et à créer des cadres uniques ? » La première image de Movement Study II est celle de ce coin, mais elle devient une seule image. C’est comme être sur la première rangée en regardant la scène et vraiment commencer à voir des choses comme la sueur, les pores, les rides et les taches sur la chemise. Et ce coin, c’est aussi un spectacle de lumière lorsque le soleil est au soleil. Le bus bouge et la lumière devient noire, puis le soleil sort, et c’est absolument magnifique. La toile de fond, un site de construction, n’a cessé de changer. C’était une façade temporaire, et les gens continuaient à la repeindre.
Movement Study II: 40.752200 -73.993422, 2017
Movement Study I, Street Ballet, 2018
Movement Study II: 40.752200 -73.99342, 2018
Movement Study II: 40.752200 -73.99342, 2018
Et la troisième partie ?
EB : J’ai décidé que si je vais m’approcher et si les images imitent l’opéra ou la danse, il doit y avoir un personnage central, alors j’ai décidé de chercher cette personne dans ce coin. La dernière page de l’étude Movement Study II est une photographie de la personne B Hawk avant même que nous ne parlions. Après avoir pris cette photo, je les ai suivis et j’ai fini par les photographier pendant plus d’un an. Nous sommes retournés chez eux où ils vivaient avec leur mère. Ils étaient en transition entre les sexes. Ces photographies portaient sur la présentation de soi en privé, la collaboration, et sur mon abandon quasi total du contrôle, ce qui permettait au sujet d’avoir une agence sur la façon dont il voulait que le livre soit conçu. Ensuite, pour s’assurer qu’il était opérable et non pas comme un projet narratif intime, nous sommes revenus à l’emplacement de la première grille, et la dernière page de l’étude du mouvement III est une photographie exactement au même emplacement que la première grille de l’étude du mouvement I.
Movement Study III, Circling a Hawk, 2018
Movement Study III, Circling a Hawk, 2018
Pendant la pandémie, vous avez fait une sorte de coda à ce projet en photographiant des personnes dans la rue depuis votre fenêtre du quatrième étage à Brooklyn.
EB : Oui, le studio, dans une zone industrielle d’East Williamsburg, surplombe le coin. Pendant la pandémie, j’ai commencé à réfléchir à la manière dont je pouvais à nouveau exploiter les principes fondamentaux de la photographie de rue, mais utiliser des éléments spontanés du type de performance qui peut se produire dans la rue. J’ai appelé quelqu’un qui voulait participer, et j’ai simplement demandé : « Veuillez vous rendre à cette adresse d’angle, porter ce que vous voulez, apporter ce que vous voulez, faire ce que vous voulez. Tout ce que je demande, c’est que vous regardiez ma fenêtre pendant que je photographie. » J'ai utilisé un téléobjectif de 400 mm pour la première fois, et en raison de la focale intense, le sol est devenu un mur dans le travail et a commencé à ressembler presque à un ensemble de studios. Il y a eu un merveilleux mélange de contrôle et de hasard, de chorégraphie, de collaboration, d’arrangement, de regard et d’observation, avec l’élément de la rue en jeu.
Windows and Mirrors, 2020–2021
Windows and Mirrors, 2020–2021
Maintenant que vous répartissez votre temps entre New York et Charleston, qu’est-ce qui vous manque le plus dans la ville ?
EB : Les gens. Je n’ai jamais rencontré des esprits aussi excentriques et brillants. Il y a ici des gens qui sont intellectuellement voraces, et culturellement voraces, dans une certaine mesure comme nulle part ailleurs, aux États-Unis, voire dans le monde. Même si j’enseigne en dehors de New York, je garde ma résidence à Brooklyn et je la considère comme chez moi. En Caroline du Sud, je produit un ensemble de travaux qui mobilisent la photographie pour exposer la manière dont les gens s’identifient dans les sites historiques datant de la Guerre civile, des espaces où la théâtralité est intégrée dans l’architecture, la tradition et le paysage des Carolines et des environs.
Elizabeth Bick est une photographe primée qui propose des expositions internationales, des résidences et une reconnaissance critique dans les revues The New York Times, The New Yorker and Time. Elle est professeure de photographie et détient un MFA de Yale.
Allen Frame est un photographe, écrivain, éducateur et conservateur basé à New York, où il a organisé de nombreux spectacles en solo avec la Gitterman Gallery. Il a publié quatre livres de photographie et a remporté le prix Rome de l’American Academy à Rome. Il enseigne à l’Institut Pratt, à l’École des arts visuels et au Centre international de photographie.