La Biennale Whitney est depuis longtemps l’une des plus grandes vitrines d’artistes émergents aux États-Unis. Tous les deux ans, l’exposition sert de cloche pour la culture, reflétant et reflétant les humeurs politiques et sociales du pays. Il n’est donc pas surprenant de voir que le travail de cette année, qui est désormais visible au Whitney Museum of American Art, offre beaucoup de tension, avec des pièces axées sur l’identité de genre et la race, entre autres questions. Les conservateurs ont choisi les œuvres parce qu’elles représentent « un instantané de l’art contemporain » ; lisez la suite pour en savoir plus sur quelques-uns de nos favoris.
Artwork: Elle Perez, Photo: Jen Davis
Elle Pérez : t , 2019 ; Sans titre (palm frond) , 2019 ; Mae After Surgery , 2019 ; Nouveau travail 004 , 2019 ; Davey Dyke , 2019 ; Jose in Water , 2019
L’œuvre de l’artiste trans Bronx explore les questions de genre et d’identité culturelle dans des photographies, généralement de ses amis proches, qui sont à la fois belles et conflictuelles. Une image ici, par exemple, présente un sujet avec des yeux contusionnés et une cicatrice au cou d’une chirurgie de la pomme d’Adam ; une autre montre simplement une main tenant un flacon de testostérone.
Artwork: Kyle Thurman, Photo: Jen Davis
Kyle Thurman, Dessins d’occupation suggérés, 2016-19
Ces pièces au charbon et au pastel à grande échelle sont basées sur des images trouvées en ligne et représentent la relation entre la photographie et le dessin. En retirant l’image de son contexte d’origine (principalement des sources d’information), l’artiste démontre la possibilité de créer plusieurs récits.
Barbara Hammer, History Lessons, 2000. Image courtesy of the artist
Barbara Hammer, Leçons d’histoire , 2000
Le film puissant de l’artiste décédé récemment utilise des séquences d’archives, des bobines d’actualités et des images fixes pour représenter l’histoire des lesbiennes et les rôles de genre. Hammer a créé des films expérimentaux pendant plus de cinq décennies et a été à l’avant-garde de l’exploration de la sexualité lesbienne tout au long de sa carrière ; History Lessons repense les événements en manipulant des clips pour redéfinir les rôles de la spectatrice.
Artwork: Diane Simpson, Photo: Jen Davis
Diane Simpson, Jabot (triplet),2018
Présentées gratuitement au public dans la galerie du premier étage de Whitney, chacune des sculptures de Simpson a été influencée par le design des vêtements et l’architecture. L’artiste, qui montre son art depuis les années 1970, travaille dans le métal, le bois, le linoléum et les tissus.
Artwork: John Edmonds, Photo: Jen Davis
John Edmonds, tenant une sculpture (du peuple Ashanti),2019
Les photographies d’Afro-Américains d’Edmonds tenant des objets africains font référence à des portraits réalisés pendant la Renaissance Harlem. Son travail met l’accent sur ses sujets, par opposition à l’objectification des personnes de couleur vues dans la photographie des années 1920 et 1930.
Artwork: Todd Gray, Photo: Jen Davis
Todd Gray, Euclidean Gris 2 , 2018
Les collages de Gray présentent un mélange de ses photographies au cours des quatre dernières décennies. L’artiste, qui était l’un des photographes personnels de Michael Jackson, a pour objectif ici d’illustrer le corps africain en utilisant, comme il le dit, « le corps noir le plus identifiable de la planète ». D’autres travaux portent sur la diaspora africaine et le post-colonialisme.
Artwork: Ragen Moss, Photo: Jen Davis
Ragen Moss, différentes œuvres, 2018-19
Ces sculptures abstraites intrigantes sont destinées à évoquer des corps ou des cocons. Composées de plastique et de peinture, les pièces sont transparentes et superposées, jouant avec les motifs et la forme. Des épissures de texte provenant de diverses sources sont incluses à l’intérieur.
Artwork: Jeanette Mudnt, Photo: Jen Davis
Jeanette Mundt, athlète née aux États-Unis : Simone Biles I , 2017
Mundt a utilisé les composites photographiques du undefinedNew York Times des Jeux olympiques de Rio en 2016 comme base pour ces peintures, mettant en avant les membres de l’équipe de gymnastique féminine américaine. L’artiste a voulu que les images, y compris celle de Simone Biles, montrent comment le corps s’estompe à un moment donné.
Artwork: Curran Hatelberg, Photo: Jen Davis
Curran Hatleberg, sans titre , 2015– 18
L’alun de Yale présente un récit cinématographique de la vie américaine. Hatleberg, dont les photographies se concentrent sur les paysages et les citoyens du pays, établit des relations avec ses sujets, ce qui entraîne des portraits intimes et désagréables. Son travail, y compris celui de 2016_, Untitled (Dominoes),_occupe l’espace du troisième étage de l’exposition, visant à briser les préjugés et à développer l’empathie.
Artwork: Tomashi Jackson, Photo: Jen Davis
Tomashi Jackson, Buffet Hometown – Two Blues (exercice à valeur limitée), 2019
Cette pièce colorée à supports mixtes utilise des sacs en papier, des épingles, des emballages alimentaires et d’autres matériaux pour créer une image fragmentée. C’est l’une des trois œuvres de Jackson qui aborde le démantèlement de Seneca Village, une communauté principalement afro-américaine, à New York en 1857, pour faire place à Central Park.
Artwork: Martine Syms, Photo: Jen Davis
Martine Syms, Personnes qui n’ont pas d’amis, d’amants ou d’exés, 2019
Le texte mural de cette section indique « Personnes qui ne sont pas amis, amoureux ou exés » et est couvert de photographies de 35 mm au format poster qui évoquent l’expérience noire en Amérique. Une vidéo qui l’accompagne éveille l’anxiété ; l’Intro to Threat Modeling (2017) de Syms présente un avatar criant : « Qui essaie de me*** frayer un chemin en ce moment ? Pourquoi essaient-ils de f*** avec moi ? »
Découvrez ces pièces, et bien d’autres œuvres contemporaines, exposées à la Biennale de Whitney jusqu’au 22 septembre 2019.
